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壹零贰肆火车头（沙田）摄影棚。
悬灯照影。
营造出孤月冷清的寂寥，客栈内，刀冰枪冷，人心更寒。
邹林灯光布景团队展现了自己如今港岛第一灯光团队的实力。作为吴导演嫡系中的嫡系，眼前这一幕就足够许多灯光组学习。
人影很重，局部的打光让现场演员角色上平添立体感。
这部戏，吴孝祖谨慎使用前侧光打光技巧，这种也叫斜侧光的打光属于角色光源基本的技巧，光源与被拍摄者成90°，投影留在一侧。
也就是后世起点娱乐文中描写电影时候常用的‘阴阳脸打光’，一提起来多高端……实际就就和乔碧萝殿下似的~。。。。
打光上，吴孝祖与邹林及摄影团队综合考虑了许久，最终选择了后侧光，这样层次会比较清晰，线条明确，背景与人也就很难重叠，拍摄出的效果会很有纵深感。
打光本身是一个很耗时间的工作，基本拍戏的时候，大多数时间全剧组的人都在等他们。
主光定下场景基调，补光修饰主光，测光可以让主角从背景中分离出来，提供额外的效果，不同的光源细微差距，会造成不同的效果。
这不仅对画面的整体景深非常重要，也能展现人物，感性价值和其他有情节比重的线索。
画面中的人物更真实、触感明确。江湖嘛，直扑而来的血腥味才是江湖！
这种细节，吴孝祖一直很在意。
电影正是由一个个细节展现出来的品质。
此刻。
人、景、影三者之间充斥在镜头内，却能够给画面留白，营造出强烈的空间感，这无疑是吴氏风格最完美的写照。
除去后来的IMAX-3D，不管是胶片电影或者数字电影，本身就是扁平的矩形图像。
导演、灯光与摄像工作中的很大一部分就是努力让这一门扁平的艺术看上去尽可能像三维立体——赋予它景深，形状和角度，尽可能让它接近真实世界中的活生生的场景。
镜头光圈、焦距、移动方式、布景设计、色彩与演员站位都推动这点，但其中最重要的肯定就是打光了。
后世许多电影真的是没甚技巧可言，主要强调的就是这些最基础的东西不完善。你想创新，最起码你要懂得基本的技巧和手法才行啊。
吴孝祖本人也在推动基本专业素养的普及。
最起码他团队走出的导演，专业素养方面都能确保其职业性。
吴氏门徒风格上，吴孝祖予以保留，任其发展，但基础素质上，他一直强调需要夯实。
在这种情况下，他才构思出了留白。
这是吴孝祖对于这部古装武侠电影新赋予的画面质感。传统的武侠片与新兴的电影技术结合下，呈现出了这种胶片时代最具有特质的风格。
画面留白这方面，胡金诠导演实际上早在《侠女》时就尝试过，但是限于当时的器材，并没法真正的展现出来。
浓墨与浅淡之间的这种进步，不单单是导演技术的展现，同时更是电影行业内器材、人员专业度的集中体现。说白了这本就是一种技术革新和电影思维的革新。
我们看老片，总会有一帧一帧跳跃感，实际上这本就是技术上的缺陷。
80年代，基本达到了现有技术层面对胶片最完善的运用了。
这时候的特效转职的并不是绿幕、蓝幕，更多反而是现场特效成果加上后期电脑技术统合。甚至前期的化妆特效及道具方面占有大头。
用《终结者1》举例，它本质上实际上无疑就是一部披着科幻与悬疑外衣的B级片，特效方面算得上粗制，但这种粗制在后世看来依旧很有吸引力~这就是电影导演对于技术的使用水平问题。
工业基础并不是简单一两句就能抹平说清楚。此时华语电影与好莱坞的差距就好比《星球大战》与《新蜀山剑侠》的区别。
正如后世好莱坞运用绿幕抠图来完成了漫威电影的复苏，我们则运用技术完成了《抠图不自赏》一样~有些东西的差距实际上不单单是技术的差距，还特么是使用技术的人的差距。
吴孝祖在这部戏之中，也尝试了许多特效、化妆、威亚等之前从未大量使用的技术，算得上是对于这些东西有了自己初步的了解，同时大场面运动镜头的掌控也进一步有了更多的了解。
正如如果没有《双雄》，就不会有《赌神：即刻开战》。没有这两者对大场面调度及镜头运动的经验，这次的《龙门客栈》那种千军万马的场面也不会这么顺利。
后世大爆的《小破球》被称为中国科幻电影元年，这部电影的背后是一批如乌尔善、宁皓、路阳、郭帆等新一代电影导演及电影人对于好莱坞电影工业的学习和追赶。
当然~这背后还有一个神秘的源头——华仔~手动滑稽~咳咳~新推一下你会发现，华仔推动了内地新一代电影人的推陈出新~O(∩_∩)O哈哈~
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吴孝祖拍摄这部戏，也让凯哥兄、田庄庄、黄健鑫、李韶红、顾常未等一众电影人进入其中学习，难道真的是看上他们便宜，压榨他们的价值吗？
确实！
但是在这之余，他也是为了祖国电影事业尽一点微薄之力！
像风走了八千里，不问归期！
…
《龙门客栈》剧组。